Peindre entre la machine et la main

Pendant une partie du mois de mai 2023, l'art abstrait de Lydia Dona a pu être vu dans trois expositions distinctes à New York, chacune offrant une perspective différente sur ce qu'elle fait depuis 2008, 30 ans après avoir déménagé à New York à la fin des années 1970. Jérusalem et commença à se faire un nom. Bien que Dona ait eu sa première exposition personnelle à New York en 1979, elle n'a commencé à exposer régulièrement qu'au milieu des années 1980, lorsque l'attention du monde de l'art était dominée par le néo-expressionnisme et la néo-géo, et que de nombreux artistes jouaient la fin de Modernisme.

Du milieu des années 80 au début des années 90, Dona a souvent exposé à New York, mais ses expositions sont devenues plus sporadiques par la suite et son travail n'a jamais été marqué, comme celui d'autres de sa génération, comme Peter Halley. Avec ses trois expositions de mai, dont une exposition collective, Schema: World as Diagram à la Marlborough Gallery, organisée par Raphael Rubinstein et Heather Bause Rubinstein, j'ai eu l'occasion d'avoir un nouveau regard sur une artiste bien connue des années 1980.

Dans le catalogue accompagnant Schema : World as Diagram, Raphael Rubinstein a écrit :

Dona est préoccupée par l'environnement urbain. Ce sont des peintures créées avec un sens aigu de l’infrastructure invisible qui fait fonctionner une ville et, plus encore, des pannes constantes des systèmes urbains. Dans leur diversité même de sources, leur multiplicité de langages qui se chevauchent, je vois les peintures de Dona comme le reflet du lieu où elles sont réalisées, New York, ce site dynamique des « engagements limites ».

Dona a commencé à exposer au milieu des années 80 et son travail a été vu en relation avec Jonathan Lasker, Fabian Marcaccio et David Reed - des artistes intéressés par la relation entre l'application directe de la peinture et la présentation photographique, l'original et la copie, entre autres. Dans toutes ces approches, il y avait une préoccupation pour le fait main et la mécanique. Avec son travail et son vocabulaire visuel, Dona va droit au cœur du problème, la relation entre la machine et la main. Ses peintures rassemblent abstraction et représentation, la marque dessinée à la main et l'image projetée. Grâce à son entrelacement et à sa gamme d'applications de peinture, elle diffère une conclusion concernant les possibilités de la peinture, en grande partie parce qu'elle aime la mutabilité de la peinture - ce qui peut être obtenu lorsque vous rassemblez des huiles, de l'acrylique, de l'émail, de la peinture métallique et de la poudre d'oxyde de fer laminé, qui sont toutes sont dans « High Impact » (2016).

Les neuf grandes peintures de l'exposition Lydia Dona, installée dans l'atrium du hall du 375 Hudson Street, organisée par Jay Grimm, sont datées de 2008 à 2018. Dans la plus grande, « From Heat to Sub-Zero » (2008), l'artiste définit le territoire qu'elle a exploré depuis lors, en utilisant des images dérivées de manuels automobiles en combinaison avec différents types de peinture. Bien que l'observation de Rubinstein offre un bon moyen de comprendre ce que fait Dona, elle ne va pas assez loin, ce qui peut être une des raisons pour lesquelles son travail n'est pas considéré par la plupart des acteurs du monde de l'art au même niveau que Peter Halley et Jonathan Lasker. Elle n’a pas donné la priorité à la théorie critique dans son travail. Elle n’a pas publié de livre d’essais, ni publié de manifeste, et n’a pas non plus attaché son travail à un récit critique.

Dona crée des dessins au trait de moteurs de voiture, de pièces mécaniques, d'appareils et de tubes, le plus souvent à l'aide d'un rétroprojecteur. L'image peut être superposée sur un champ abstrait, qui est susceptible d'être superposé et composé de zones formellement distinctes allant du contraste graphique (clair au foncé) aux changements de tons (c'est-à-dire, orange contre rouge rouille dans « From Heat to Sub-Zero »). »). Elle peut partiellement obscurcir l'image avec une éclaboussure ou une marque gestuelle, créant une friction entre l'image et la marque, la mécanique et le fait main, le contrôle et l'abandon. Mais ses juxtapositions, superpositions et superpositions ne semblent jamais arbitraires ; elle élabore tout dans un processus de peinture qui semble ouvert plutôt que formel. Elle exploite les propriétés particulières de son médium de manière à relier les éléments disparates entre eux.